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The study of extreme violence confronts researchers with a number of methodological challenges. This applies especially to approaches in violence research that focus on visual materials. Drawing on research on experiences of violence and resistance in the Guantánamo Bay detention camp, this article discusses two key sets of problems connected with the (in)visibility of violence. Problems of contextual (in)visibility result from various aspects of the context under study (e.g., spatial layout, access control, media technologies). An analysis of Guantánamo and its visual representations suggests that, quite generally, visually-oriented violence research needs to reflect the availability, selectivity, framing, and contested nature of its materials. In contrast, problems of epistemic (in)visibility do not result from the contexts studied but from the way they are studied. These problems become particularly relevant when examining the acts and experiences of those affected by violence. I argue that the dominant methodological approach to violence and culturally entrenched concepts of victimhood promote the neglect of the victims' experiences, subjectivity, and agency. Therefore, research needs to search for alternative ways to approach phenomena of violence - for example, by analyzing non-visual materials, such as personal documents of victims. Referring to accounts of former Guantánamo inmates, some of the challenges of such an approach are discussed. Overall, I conclude that that questions of (in)visibility need to be considered in every study on violence - both as an important condition of analysis and as an essential aspect of the phenomena analyzed.

Measuring attitudes with vignettes is frequently based on the assumption that the presented context information facilitates a better imagination of topics under study, serving for more valid responses as compared to more usual questionnaire methods. In this study, we focus on the presentation format of vignettes and assume that, in particular, the presentation of photo vignettes facilitates a close context approximation, hereby taking fear of crime from the perspective of broken windows theory as an example of use. A split ballot experiment within the framework of a cross-sectional online survey introduced a variation of the pre­sentation format of a factorial survey experiment and allowed for measuring the difference between using either written vignettes or photo vignettes. While the split ballot experiment used a between-subjects design, each factorial survey experiment used a within-subjects design. The reported level of feelings of unsafety serves as a measure of fear of crime. Re­sults show that, first, all dimensions of the factorial surveys predicted the respective level of fear of crime in both presentation formats, in the direction expected by broken windows theory. Measurement error seems slightly reduced within written vignettes. Second, pre­sentation format-specific differences were observed for dimensions representing physical features of the setting, such as darkness, only, thereby slightly favouring photo vignettes. We finally discuss methodological implications of these results.

Photovoice, a popular method in qualitative participatory research, involves individuals taking photographic images to document and reflect on issues significant to them. Having emerged in the mid-1990s, its popularity has been related to several advantages of working with the method associated with enhanced forms of expression and accessibility, as well as a strong alignment with participatory research principles. We explore the advantages, challenges and opportunities in working with photovoice in qualitative research through gleaning insights from the literature and from studies that were part of IN•GAUGE®, a research program that has used photovoice and other visual methods for doing research with youth and families for over 15 years. The insights provide guidance for the evolution of photovoice and the development of ethical protocol assessments that are necessary for enhancing the participatory and empowering aspects of photovoice.

In the following conversation, Howard S. Becker talks about his lifelong travel with and between sociology and jazz music, his professional training as a sociologist, the hazards of a career, and his involvement with photography and performance. He reflects on the different ways used by artists and sociologists to tell solid stories about social phenomena, and tells a compelling account in its own right about the methodology of sound sociological field work and case study research. By explaining core concepts of his sociological perspective (such as the concept of labeling and "doing things together") and referring to concrete research examples, Becker in all modesty fully engages with what could be called today's sociological imagination, leaving narrow disciplinary constraints behind in order to explore society with curiosity, using methodologically sensible but nevertheless refreshing approaches. (author's abstract)

Rezension von: Rudolf W. Keck / Sabine Kirk / Hartmut Schröder (Hrsg.): Bildungs- und kulturgeschichtliche Bildforschung. Tagungsergebnisse - Erschließungshorizonte. Baltmannsweiler: Schneider Hohengehren 2006 (190 S.; ISBN 3-8340-0087-6; 18,00 EUR).

"Meine Kindheit habe ich in einer Welt voller Geister verbracht. Es wäre nichts Besonderes dabei, denn das erlebten alle aus meiner Generation, Geister umkreisten uns jeden Tag", schreibt Leszek Koczanowicz, ein nach dem Krieg in Niederschlesien geborener polnischer Philosoph. Es waren natürlich "deutsche Geister", die die ehemaligen Bewohner von Hirschberg, Liegnitz, Schweidnitz, Breslau, Bad Warmbrunn und all den anderen niederschlesischen Orten sahen, die nach 1945 einen beinahe vollständigen Bevölkerungsaustausch erlebten. Die damals als "wiedergewonnen" bezeichneten neuen polnischen Westgebiete fühlten sich "unheimisch" an, als ob sich diese ständig in Versuchen übten, "Brüche und Dauerhaftigkeit" zu vereinen, so Koczanowicz. Dass die Dauerhaftigkeit nun gebrochen war, diese Erfahrung wurde jetzt schon zwei oder gar drei Generationen in Niederschlesien zuteil, die sich erst einmal der Andersartigkeit ihrer "unheimischen" Heimat bewusst werden mussten, um sie heute, nach beinahe 70 Jahren polnischer Präsenz, "heimisch" nennen zu können. Dieses "Heimisch-Werden" mit der mittlerweile vertrauten Landschaft und Architektur, die jedoch ihren Eltern und Großeltern nicht gehörten, bezeugen neben Koczanowicz auch andere Essayautorinnen und -autoren eines 2019 in Breslau von Agata Pankiewicz und Marian Przybyłko herausgegebenen Bildbandes.So sucht der 1960 in Neurode (Nowa Ruda) geborene Lyriker und Literaturhistoriker Karol Maliszewski nach (s)einem Herkunftsort, der keine Brüche, sondern Geborgenheit im emotionalen wie intellektuellen Sinne bieten würde. Bewusst sucht er erst nach einer niederschlesisch-lokalen Verankerung, dann nach der regionalen, erst dann nennt er Polen sein Vaterland. Was sich für die Ansiedler-Generation als fremd anfühlte, blieb lange Zeit auch noch für deren Kinder und Kindeskinder "poniemieckie" (ehemals deutsch) –ein deutsches, ungewolltes Erbe, das der Abschaffung, der Vernichtung, im besten Fall der Vergessenheit preisgegeben werden sollte. Heute suchen die neuen Generationen nach dem ideellen wie materiellen Erbe jener Deutschen, die es nicht mehr gibt. Maliszewski als polnischer Intellektueller stellt fest, dass die Menschen, die im heutigen Niederschlesien sich in der polnischen Kultur und Literatur wiederfinden (prominent vertreten durch Olga Tokarczuk, Joanna Bator, Marek Krajewski), schon früher einmal in der deutschsprachigen Dichtung ihren Niederschlag gefunden hatten. Das lehre Toleranz, Offenheit und schaffe jene Grenzvorstellungen ab, denn "unser genius loci ist von Grund auf Deutsch. Lange konnte ich das nicht begreifen", so Maliszewski, "aber als mir das klar wurde, suchte ich nach dessen Spuren und hatte Schwierigkeiten, denn man hat diese vorher sorgfältig beseitigt". Der Dichter Maliszewski versteht sich als Verwahrer des deutschen geistigen Erbes, ein im gewissen Sinne gebrechlicher Verwahrer, spreche er doch nicht einmal ordentlich Deutsch, trage keine regionale Tracht, kenne die lokalen Tänze nicht und habe keine Ahnung vom hiesigen Akzent. Und dennoch hat er keinen Zweifel: "Ich bin ein Niederschlesier aus dem Süden. Aus den Sudeten". Wenn man sich allerdings den anderen Aussagen im Buch nähert, die eigentlich einen Bildband (und eine fotografische Ausstellung) begleiten, stellt man fest, dass die Identitätsfrage für das intellektuelle Selbstverständnis dieser Region immer wichtiger wird.So schreibt Olga Tokarczuk, dass die heutige Niederschlesierin oder der heutige Niederschlesier, die oder der in einem "uneindeutigen Raum" groß geworden ist, ein offener Mensch sein müsse, der die Wirklichkeit differenziert betrachte, denn er würde in sich die "Augen eines Ankömmlings" mit den Erfahrungen "eines Vertriebenen" vereinen. Sie schlägt vor, sich heute Gedanken darüber zu machen, was dieses Land, vor allem aber seine neuen Bewohner dort ausmache und sieht darin eine "fest verankerte Gemeinschaft", die sich immer mehr ihrer regionalen Besonderheit bewusst werde und gleichzeitig das Erbe der "alten Heimat", also der familiären Herkunft in Ost- oder Zentralpolen, nicht vergisst. Sie stellt in ihrem Beitrag eine ganze Liste an Postulaten vor, was den Niederschlesier / die Niederschlesierin von heute kennzeichne: Gastfreundschaft, Offenheit, zivilgesellschaftliches Engagement, Selbstwertgefühl in Verbindung mit europäischer, vor allem deutscher Kulturlandschaft, damit er oder sie die materielle Kultur der Region als "heimisch" ("unsere, meine, gemeinsame") bezeichnen könne, und viele andere.Es wäre wünschenswert, wenn die deutsche Öffentlichkeit diese identitätsstiftende Entwicklung registrieren, anerkennen und nach Möglichkeit annehmen würde, denn nur so kann Niederschlesien zu einer echten Brücke in Europa werden. Tokarczuks, Koczanowiczs und Maliszewskis Bekenntnis ist kein Sonderfall und verlangt nach einer vertieften Auseinandersetzung und Antwort ehemaliger und gegenwärtiger, deutscher und polnischer Niederschlesier, denn das, womit wir es hier zu tun haben, ist die Entstehung einer neuen polnischen, aber mit der ehemals deutschen symbiotisch verwobenen regionalen niederschlesischen Identität. Noch ist sie auf intellektuelle Kreise beschränkt, aber sie hat jetzt schon wichtige Stützpunkte für sich eingenommen und wird immer mehr wahrgenommen. Dieser hier artikulierte Regionalismus, der Elemente deutscher Vergangenheit mit polnischer Gegenwart in sich vereint, wird möglicherweise von polnischen "Zentralisten" in Warschau, aber auch deutschen Vertriebenen aus Niederschlesien mit Erstaunen zur Kenntnis genommen, dennoch ist er gegenwärtig und verlangt nach einer Antwort. Es wäre hilfreich, die Stimmen aus dem heutigen Niederschlesien in deutschen intellektuellen Debatten zu vernehmen. Es sind ganze Generationen, die Jahrzehnte nach der Vertreibung das deutsche Erbe vor Ort hegen und pflegen, deutsche philosophische, theologische, literarische oder einfach nur touristische Pfade für sich entdecken, sich mit ihnen auseinandersetzen, sie weiterentwickeln. Und das tun sie mit Elan und Neugier, zwei weitere niederschlesische Merkmale, denn all die lokalhistorischen und lokalkulturellen Initiativen aufzuzählen, würde den Rahmen dieser kurzen Besprechung sprengen.Deutsche, für die Niederschlesien heute immer noch eine faszinierende intellektuelle Heimat oder ein einfach nur ein erinnerter Herkunftsort ist, sollten sich mit dem polnischen Interesse an dieser Landschaft befassen und die ausgestreckte Hand annehmen, damit Niederschlesien zum wahren Begegnungsort wird und im Dialog weiterentwickelt wird. Bisher sind deutsche Stimmen in der Hinsicht rar, auch in dem Buch sind sie nicht zu vernehmen. In diesem Sinne ist "Nieswojość" neben "Poniemieckie" von Karolina Kuszyk[1] eine weitere niederschlesische Pflichtlektüre, die nach Möglichkeit schnell dem deutschen Leser zugänglich gemacht werden sollte. Und dann könnte man sich einen weiteren Band mit deutschen und polnischen Beiträgen wünschen, die ein Ergebnis dieses regionalen Dialogs sein mögen. Marcin Przybyłko, Agata Pankiewicz: Nieswojość, Wrocław 2019 https://wydawnictwowarstwy.pl/ksiegarnia/86-nieswojosc-9788365502872.htmlAusstellung 2021: NIESWOJOść / UNHEIMISCH. Schlesien heute im Bild. Mit Fotografien von Agata Pankiewicz und Marcin Przybyłko (PL) https://fotoforumdresden.de/archiv-2021-unheimisch-nieswojosc-agata-pankiewicz-marcin-przybylko-pl/

[1] Karolina Kuszyk: In den Häusern der anderen. Spuren deutscher Vergangenheit in Westpolen, Berlin 2022

Jüngst ist ein wachsendes Interesse an zeitgenössischer Dramatik aus Polen zu beobachten. Davon zeugen neue Publikationen wie Loose Screws. Nine new plays from Poland (2014), … anfangen zu erzählen. Neues Polnisches Theater. Eine Auswahl (2015) oder Personen: Neue Theaterstücke aus Polen (2016) – und nicht zuletzt die Anthologie (A)pollonia. Twenty-First-Century Polish Drama and Texts for the Stage der Herausgeberinnen Krystyna Duniec, Joanna Klass und Joanna Krakowska. Diesen Übersetzungen ist es zu verdanken, dass polnische Theatertexte einem breiteren internationalen Publikum zugänglich werden. (A)pollonia. Twenty-First-Century Polish Drama and Texts for the Stage präsentiert elf zeitgenössische Theatertexte polnischer Autor_innen in englischer Übersetzung auf nahezu 600 Seiten. Texte wie The Mayor von Małgorzata Sikorska-Miszczuk, Trash Story von Magda Fertacz, No Matter How Hard We Tried von Dorota Masłowska und Small Narrations von Wojtek Ziemilski finden sich darunter. Der Auswahl- und Übersetzungsprozess der Texte gestaltete sich intensiv und aufwendig. So fußt die Entstehung der Publikation auf einem transnationalen Projekt. Involviert waren polnische und US-amerikanische Übersetzer_innen, Autor_innen, Dramaturg_innen, Regisseur_innen sowie Wissenschaftler_innen, die im Rahmen von Workshops die Anthologie maßgeblich mitgestalteten. Ziel war es, aufführbare Übersetzungen für ein englischsprachiges Publikum zu entwickeln. Charakteristisch für die ausgewählten Werke ist eine ironische, harte, experimentelle und teils slanghafte Sprache. Die Texte greifen sehr individuell die weitreichenden gesellschaftlichen Veränderungen in Polen auf und zeigen ein Spektrum an gegenwärtigen sowie vergangenen sozialen und politischen Diskursen. Dabei werden historische Narrative sowie Konstrukte nationaler Identität in Frage gestellt. Ein Text, der den Gründungsmythos der polnischen Identität herauszufordern versucht, ist (A)pollonia von Krzysztof Warlikowski, Piotr Gruszczyński und Jacek Poniedziałek, der zugleich der Anthologie den Namen gibt. Er behandelt prominente Schlüsselthemen und Konflikte des polnischen Theaters des letzten Jahrzehnts. Er unternimmt eine Analyse von Krieg und diskutiert Begriffe wie Opfer, Verantwortung und Schuld aus vielfältiger Perspektive mit den Mitteln des Dramas. Dabei werden Texte unterschiedlicher Epochen montiert und zueinander in Beziehung gesetzt; darunter Werke von Aischylos, Euripides, J. M. Coetzee, Hanna Krall und Jonathan Littell. Der polnische Regisseur Warlikowski, der kurz nach der Warschauer Premiere (A)pollonia bei den Wiener Festwochen 2009 inszenierte, macht Theater, das 'unter die Haut' geht, so die Herausgeberin und Theaterwissenschaftlerin Duniec. Dieses Anliegen ist auch in weiteren Theatertexten dieser Anthologie zu erkennen. Die elf Werke arbeiten an der Demystifizierung nationaler Identität und zeigen die Widersprüche in der Darstellung nationaler Interessen auf. Sie untersuchen Kriegstraumata, Antisemitismus, thematisieren reflexiv den Diskurs um die Opferrolle Polens im Zweiten Weltkrieg sowie die ökonomische und gesellschaftliche Transformation nach der politischen Wende 1989. Es sind Tabuthemen wie der Opfermythos Polens, der polnische Katholizismus oder Transgender-Identitäten, mit denen sich die Autor_innen auseinandersetzen und dabei neue ästhetische Fragen sowie Zugänge hervorbringen. Dabei zeichnen sich dramatische und theatrale Innovationen ab. Reichhaltiges visuelles Material – 35 Schwarz-Weiß Fotografien sowie eine DVD mit ausgewählten Szenen polnischer Erstinszenierungen von fünf Texten dieser Anthologie – veranschaulicht, welchen Sprung das polnische Theater seit Jerzy Grotowski und Tadeusz Kantor (immer noch in den deutsch- und englischsprachigen Theatergeschichtsbänden repräsentativ für 'das' polnische Theater) gemacht hat. Es tritt ein neues polnisches ''poor-pop'' Theater (S. XIII) hervor, so Joanna Klass. Die Herausgeberinnen zeigen mit ihrer Auswahl an Werken und mithilfe des visuellen Begleitmaterials diesen Umbruch im polnischen Theater des 21. Jahrhunderts auf. Sie verweisen auf die derzeit pulsierenden Themen der gegenwärtigen Dramatiker_innengeneration sowie die dramatischen, sprachlichen sowie inszenatorischen Veränderungen. In ihrer Einleitung legen Duniec und Krakowska die historischen und politischen Kontexte der Dramen dar. Auf einundzwanzig Seiten unternehmen sie den Versuch, die (Kultur-)Geschichte Polens zu erläutern. Dabei werden einige der politischen, religiösen und historischen Sachverhalte der letzten 600 Jahre herausgearbeitet. Bereits in der ersten Zeile tritt das in Polen etablierte historische Narrativ in Erscheinung: ''Polonia was beautiful, proud, and unhappy. She suffered with sublime dignity'' (S. XIV). Zum Vorschein kommt hier jener Mythos nationaler Identität, der auf die Unterdrückung und staatliche Nichtexistenz Polens seit der dritten polnischen Teilung Bezug nimmt. Bezeichnend, dass dieser in einer Anthologie polnischer Dramen des 21. Jahrhunderts noch so präsent ist. In der Einführung wird die Gliederung der Anthologie in vier Teile erläutert, die in jeweils unterschiedlicher Weise polnische Problematiken verhandeln: "Polin", "Transpolonia", "Postpolonia" und "Lack-of-Polonia". Sie sind mit historischen und nationalen Narrativen verknüpft und stellen begriffliche sowie thematische Bezüge zur jüngsten Geschichte Polens her. "Polin" (Hebräisch für Polen) umfasst zwei Dramen über den Holocaust. "Transpolonia" thematisiert die Beziehungen zwischen Polen und Deutschland nach 1945. Durch das Prisma des Körpers wird im dritten Teil, "Postpolonia", der gesellschaftliche Wandel seit der politischen Wende 1989 betrachtet. Im vierten, "Lack-of-Polonia", stehen die Bedürfnisse der Jugend sowie polnischer Familien seit dem Übergang zur freien Marktwirtschaft im Fokus. Gezielt wurde das Augenmerk bei der Auswahl und Übersetzung der Theatertexte auf international Leser_innen gelegt, wobei die Wahrung des ''uniquely polish flavor'' (S. XV) ebenso Priorität hatte. Ob die Herausgeberinnen ihr Ziel, aufführbare Übersetzungen für ein englischsprachiges Publikum zu entwickeln, erreicht haben, bleibt abzuwarten. Es gilt also Ausschau zu halten nach weiteren internationalen Inszenierungen polnischer Dramen der Gegenwart, die in (A)pollonia. Twenty-First-Century Polish Drama and Texts for the Stage enthalten sind.

Mit der empirischen Potenzial- und Entwicklungsstudie «Die Kultur und Kreativwirtschaft in Winterthur und Region» im Auftrag der Stadtentwicklung Winterthur, Standortförderung Region Winterthur, Standortförderung – Amt für Wirtschaft und Arbeit des Kantons Zürich und der ZHAW School of Management & Law werden erstmals relevante Daten, Informationen und Entwicklungstendenzen zum Standort Winterthur und Region sowie dessen Teilmärkten der Kultur und Kreativwirtschaft erhoben. Herausgeber der Studie ist das Zentrum für Kulturmanagement der ZHAW. Im Fokus stehen die räumlichen, beschäftigungspolitischen und angebotsrelevanten Potenziale sowie die Erarbeitung von adäquaten Szenarien, Strategien und Massnahmen zur Entwicklung von Clustern der städtischen und regionalen Kultur und Kreativwirtschaft. Neben der Erfassung statistischer Strukturdaten auf Basis der Betriebszählung 2008 wurden Akteure sowie Unternehmen der verschiedenen Teilmärkte der Kultur und Kreativwirtschaft in Winterthur und Region mittels quantitativer Online-Umfrage sowie sechs qualitativen Experteninterviews und vier Fokusgruppen-Diskussionen zu ihren Arbeitsweisen, Erfahrungen, Meinungen und Einschätzungen befragt. Insgesamt haben 99 Personen die Online-Umfrage beantwortet. Dies entspricht einem Rücklauf von 12,5 Prozent einer Grundgesamtheit von 789 Betrieben, was als gutes Resultat betrachtet werden kann. Die Ergebnisse der empirischen Analysen wurden in einem sparten- und netzwerkübergreifenden Kreativworkshop mit 15 Akteuren aus den Teilmärkten Design- und Musikwirtschaft, Architektur, Kunst und Darstellende Kunst vertieft sowie erste Entwicklungspotenziale und weitere Ideen auf Sinnhaftigkeit und Machbarkeit überprüft. Seitens des Projektteams wurden anschliessend ein Entwicklungsmodell, verschiedene Szenarien, Strategien und Massnahmen für die künftige Entwicklung relevanter Teilmärkte erarbeitet sowie basierend auf einer abschliessenden SWOT-Analyse zur Potenzialentwicklung entsprechende Empfehlungen skizziert. Strukturelle Aspekte – Relevante Kennzahlen und Stakeholder: Winterthur verfügt über ein eigenständiges und vielfältiges Kulturleben mit interessanten und zum Teil bekannten Aufführungs- und Ausstellungsorten. Mit Blick auf den Standortquotienten als Mass zum Vergleich der regionalen Stärke der Kultur und Kreativwirtschaft im Verhältnis zu Zürich weist die Stadt Winterthur überdurchschnittliche Beschäftigungsanteile in den Branchen Kulturunterricht (2,95), Museen (3,55), Theater- und Ballettgruppen (4,93), Fotografie (2,03) und Tonstudios (9,99) auf. Stark untervertreten sind hingegen die Teilmärkte der neueren Kreativwirtschaft wie Rundfunk (0,14), Presse (0,4) und Werbung (0,42) sowie die Design- (0,37) und Filmwirtschaft (0,62), die eine gewisse Wertschöpfungsstärke ausweisen, die es zu nutzen gilt. Als wichtige Anspruchsgruppen der Studie gelten neben Kapital- und Auftraggebern, Staat und Politik insbesondere die Akteure und Unternehmen der städtischen und regionalen Kultur und Kreativwirtschaft in Form von Netzwerken, Strukturen, Kunden und Lieferanten Empirie – Resultate der Befragungen: Für die Teilmärkte Film, Darstellende Kunst, Design, Architektur, Software-/Games-Industrie und Kunst ist eine positive Grundstimmung bezüglich Beschäftigungs- und Umsatzdynamik zu verzeichnen. Winterthur wird von 89 Prozent der Befragten vornehmlich als Kulturstadt wahrgenommen, wobei der Standort auch in Bezug auf unternehmerische Freiheit (69 Prozent) und inspirierende Umgebung (76 Prozent) als sehr positiv beurteilt wird. Hinsichtlich Infrastruktur und Räume wird die Qualität, nicht aber die Quantität von Veranstaltungsorten bemängelt (Gute Veranstaltungsorte: Zustimmung 48 Prozent). Bestehende Cluster in den Bereichen Medizinaltechnik und Gesundheit in Verbindung mit der in Winterthur ansässigen ZHAW bieten ideale Voraussetzungen für die Entwicklung der Winterthurer Designwirtschaft. Ein Potenzial des Teilmarkts Musik könnte darin bestehen, die typischen Wellenbewegungen in der Szene aufzufangen, indem sich Winterthur als Livemusik-Stadt positioniert und nach neuen Wegen sucht, um den Verlust der Musikhochschule zu kompensieren. Der interthurer Architekturmarkt hängt unter anderem von den Bautätigkeiten in der Region ab. Die wachsende Nachfrage und gute Auftragslage der Winterthurer Architektur- und Innenarchitekturbüros sprechen dafür, dass sich der Teilmarkt Architektur langfristig aus sich selbst heraus entwickeln wird. Der Immobilienmarkt Winterthurs bietet somit Chancen zur Attraktion von Kultur- und Kreativunternehmen aus Zürich. Die Entwicklung des Kunstmarkts und des Markts der Darstellenden Kunst bleibt grundsätzlich eine Frage der langfristigen Entwicklung und existierenden finanziellen Mittel. Die Eröffnung eines Kulturbüros für die verschiedenen Akteure des kulturellen Sektors bietet eine von mehreren Möglichkeiten, entsprechende Ressourcen und Infrastrukturen bewusst zu bündeln. Handlungsfelder – Resultate aus den Workshops: Zur Verbesserung der Situation der Kultur und Kreativwirtschaft in Winterthur und Region werden erstens ein Kreativhaus/Zentrum für Kultur, zweitens die Realisierung einer Kreativtagung beziehungsweise Zukunftswerkstatt sowie drittens die Etablierung eines Administrations-Hubs auf Seiten der Workshop-Teilnehmenden priorisiert. Schlussfolgerungen – Potenziale: Die Chancen der Stadt Winterthur bestehen in einer intensiveren Vernetzung der verschiedenen Teilmärkte und Branchen der Kultur und Kreativwirtschaft untereinander sowie dem bewussten Einbezug der verschiedenen Hochschuldepartemente der ZHAW. Insbesondere die Teilmärkte Design, Architektur und Musik bieten gute Voraussetzungen für eine verstärkte Entwicklung. Die Selbstbezogenheit Winterthurs begünstigt eigenständige Entwicklungen, die es zu akzentuieren und in ökonomische Werte umzumünzen gilt. Andererseits gefährdet der starke Selbstbezug in Teilen der Winterthurer Kultur und Kreativwirtschaft Exportorientierung und Innovationen. Aufgrund der starken Verflechtungen der Kultur mit der Kreativwirtschaft betreffen Kürzungen im öffentlichen Kulturbudget auch weite Teile der Kreativwirtschaft wie beispielsweise den Design-, Event- und Musikmarkt aber auch den Markt der Darstellenden Kunst sowie den Kunstmarkt. Ohne ein klares Commitment mit Signalwirkung und äussere Anreize gehen Elan und Erneuerungswille schnell verloren. Aufgrund der geringen Beschäftigungsquote in Winterthur stellen sich darüber hinaus grundsätzliche über die Kultur und Kreativwirtschaft hinausgehende strukturelle Fragen. Eine adäquate Förderung der Kultur und Kreativwirtschaft erfordert verschiedene Massnahmen, die im Sinne einer Gesamtstrategie sorgfältig geplant, kontinuierlich entwickelt und umgesetzt werden müssen. Eine zukunftsfähige Vision, heruntergebrochen in ein netzwerk- und spartenübergreifendes Konzept mit dem Ziel, konkrete Initiativen und Projekte für die Entwicklung der Winterthurer Kultur und Kreativwirtschaft anzustossen, wäre eine lohnenswerte Konsequenz aus den Ergebnissen dieser Forschungsstudie. Idealerweise wird ein solches Konzept in Kooperation von Stadt, Kanton, Wirtschafts- und Kulturförderung, Hochschule sowie weiteren Stakeholdern aus den verschiedenen Teilmärkten der Kultur und Kreativwirtschaft gemeinsam erarbeitet und spiegelt sich in der Umsetzung konkreter Projekte wider. Auf Basis der verschiedenen Analysen empfiehlt das Projektteam des Zentrums für Kulturmanagement der ZHAW daher eine schrittweise Implementierung kurz-, mittel- und langfristiger Szenarien, Strategien und Massnahmen für die kontinuierliche Entwicklung der Kultur und Kreativwirtschaft in Winterthur und Region.

Die vorliegende Arbeit analysiert im Rahmen von Leben und Werk des Hundemalers Richard Strebel Spezialisierung als Marktstrategie auf dem Münchner Kunstmarkt in der Prinzregentenzeit. Eine Untersuchung der lebensgeschichtlichen Fallstudie des Künstlers und seines Werks erbrachte Erkenntnisse zu seinem unternehmerischen Handeln, die über eine wirtschaftswissenschaftliche Analyse zu einem Kriterienkatalog der künstlerischen Spezialisierung führten. Über dieses Kriteriensystem konnte Strebels Verhalten im Markt, seine künstlerische Entwicklung und seine Bildproduktion erklärt und interpretiert werden. Das gewonnene Modell kann auch auf andere Künstler, die in engen Marktsegmenten arbeiten, übertragen werden. Der Künstler entschloss sich 1886 nach seiner Ausbildung als Tiermaler an der Kunstakademie in Karlsruhe im Zuge einer Chancenwanderung in die Kunststadt München zu übersiedeln, wo die Gattung Tiermalerei traditionell gepflegt wurde, durch den internationalen Kunsttourismus ein großes Marktsegment für sich reklamieren konnte und Entwicklungspotential versprach. In München als dem Kunststandort im Deutschen Reich schienen alle Standortfaktoren zum Gelingen eines künstlerischen Aufbruchs vorhanden, vor allem machten Angebot und Nachfrage den Eindruck eines ausgewogenen Gleichgewichts. Der wettbewerbsintensive Münchner Kunstmarkt gestaltete jedoch eine erfolgreiche Einführung des jungen Künstlers im Marktsegment Tiermalerei mit Schwerpunkt auf Nutztiere als schwierig, weil hier bereits eine große Anzahl von Tiermalern arbeitete. Strebel verfügte als Kaufmannsohn über einen guten Marktinstinkt und eine positive Grundeinstellung zu ökonomischem Verhalten. Er entschloss sich nach einer Phase der künstlerischen Orientierung, Chancenauslotung und Markterprobung zu einer inneren Spezialisierung in der Tiermalerei auf das Sujet Hund. Die sich entwickelnde deutsche Rassehundezucht mit einer deutlichen Nachfrage auf dem Kunstmarkt nach Hundebildern, wissenschaftlichen Illustrationen und Gebrauchsgrafik für die Organe der Rassehundevereine hatte zur Bildung einer offenen Marktnische geführt. Strebels persönliches Interesse, sein intuitiver Zugang zu der Tierart sowie seine Einschätzung der Rentabilität und des Wachstumspotentials in der Nische führten sukzessive zu einer Ausrichtung auf die Kundengruppe der Kynolo¬gen und Hundeliebhaber, die Gefallen an seinen Bildern fand. Mit deren nationalem Projekt der Entwicklung deutscher Hunderassen konnte er sich identifizieren und seine künstlerische Arbeit als unterstützenden Beitrag zur Visualisierung der angestrebten Ziele einbringen und interpretieren. Künstlerische Einschränkungen nahm er zugunsten des Verbleibs in wirtschaftlicher Sicherheit in der Marktnische hin. Für die von den Kynologen als höchste künstlerische Kompetenz nachgefragte Wiedergabe der idealen Rassehundetypologie eignete sich Strebels künstlerische Ressource, nämlich seine hohe zeichnerische Qualität in besonderer Weise. Strebel verstand es, sich mit seiner Verortung im bürgerlichen Stand auf seine Kundschaft im unmittelbaren Kontakt einzustellen, sie zu gewinnen und sich in seiner Nische als Künstler in einer honorierten Sonderstellung zu positionieren. Er bediente sich eines gemäßigten, von der bürgerlichen Gesellschaft erwarteten äußerlichen Künstler-Habitus, den er öffentlichkeitswirksam einsetzte. Strebel erkannte die Bedürfnisse und Erwartungen seiner Kunden, welche die Darstellung ihrer rassereinen Hunde in kostspieligen Tierporträts immer mit einer Repräsentation ihrer Person verband. Er optimierte seine Hundedarstellungen qualitativ und kontinuierlich und erhöhte seine Kundeneffizienz durch zahlreiche persönliche Qualifizierungsmaßnahmen, die auf den Hund zugeschnitten waren. Dazu gehörte auch ein kundenorientierter Service. Wichtig war dabei seine wissenschaftliche Arbeit zur Erforschung der Abstammung der deutschen Hunde, die er in zwei Bänden veröffentlichte. In Anlehnung an die in England gängigen Produktkategorien entwickelte Strebel ein Sortiment aus fünf verschiedenen Typen, die er zwischen 1890 und 1905 auf dem Markt anbot. Diese schnitt er auf den deutschen Kunden zu und verbesserte sie. Dabei blieb er in engem Kontakt sowohl mit den Kundenerwartungen als auch mit der Kunstkritik und griff Stilentwicklungen und -merkmale in seiner Kunst in einer von ihm vertretbaren Art und Weise auf, um seine Marktakzeptanz zu erhalten und modern zu bleiben. Als eigene Produktinnovation kann besonders das individuelle Hundeporträt gelten, in dem er sich als Alleinstellungsmerkmal unter den Hundemalern intensiv mit der Psyche der ihm vertrauten Tierart auseinandersetzte und diese im Bild wiedergab. Strebels Markteintrittszeitpunkt in die Nische Hundebild war in deren Reifephase erfolgt. Ab 1905/06 begann sich die Nische zu verengen. Der Künstler wurde durch die geringere Produktnachfrage in die Defensive getrieben und musste auf den stagnierenden Absatz reagieren. Wirtschaftliche Rezession und das günstige Substitutionsprodukt Fotografie veränderten den Markt und senkten die Nachfrage nach Kunstwerken. Dazu kamen persönliche Gründe, die die Anerkennung des Künstlers in der Nische einschränkten. Unter anderem wollte der Künstler aus tierethischen Gründen seine Kunst nicht mehr in der gewünschten Art und Weise in den Dienst züchterischer Bestrebungen der Kynologen stellen. Die Entscheidung, sich auf den freien Kunstmarkt als Absatzort zu konzentrieren, schien Strebel konsequent. Der Einsatz von Marketingstrategien wie eine auf das ganze Deutsche Reich ausgedehnte Absatz- und gelenkte Preispolitik sowie eine Erschließung neuer Geschäftsfelder und Kundengruppen durch die Marktausdeh¬nung in den Bereich des Massenbilddrucks sollten die fehlende Nachfrage der Marktnische ausgleichen. Allerdings konnte Strebel trotz dieser Maßnahmen den sinkenden Absatz seiner Hundebilder nur mehr bis zum Beginn des ersten Weltkrieges kompensieren. Nach 1918 war das Produkt vom Markt eliminiert, wiewohl der Künstler bis zu seinem Lebensende an der Spezialisierung festhielt. Die Einzelfalluntersuchung von Leben und Werk eines Münchner Künstlers in der Prinzregentenzeit unter dem Aspekt eines vom wettbewerbsintensiven Kunstmarkt herausgeforderten ökonomischen Verhaltens ermöglicht einen neuen, erhellenden Zugang zur Künstlerschaft und ihrer Kunstausübung. Die durch die wirtschaftliche Schwerpunktsetzung herbeigeführte Demontage der glorifizierenden Aura der Kunststadt um 1900 lässt einen direkten Blick auf die Lebenswirklichkeit der Künstlerexistenz zu und zeichnet ein realitätsnahes und nüchternes Bild. Entgegen der gerne gepflegten sozialromantischen Vorstellung des Künstlers als unabhängiger, marktferner und nur einer authentischen Kunst verpflichteter Außenseiter war er bereits um 1900 als Mitglied einer bürgerlichen erwerbsorientierten Leistungsgesellschaft herausgefordert, sich der Möglichkeiten wirtschaftlichen Verhaltens in allen Intensitätsstufen von der bloßen Sicherung des Lebensunterhalts bis zur gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Anerkennung zu bedienen. Mit dem Warencharakter seines Kunstwerks war der Künstler mitten im Markt angesiedelt und diesem wie jeder andere Akteur unterworfen. Er konnte sich der ökonomischen Abhängigkeit nur im Einzelfall entziehen, da er und seine Kunst vom Markt getragen wurden. Dass dieser Tatbestand Folgen für die Münchner Künstler und ihre Kunstproduktion hatte, ist an Richard Strebels Fallstudie deutlich geworden. Das Spektrum künstlerischer Positionierung reichte dabei von bewusster Marktferne bis zur völligen Marktkonformität. Die genaue Kenntnis individueller und kollektiver Abhängigkeit vom Markt als Restriktion menschlicher und künstlerischer Existenz ermöglicht über den interdisziplinären, sozialgeschichtlich-wirtschaftswissenschaftlichen Untersuchungsansatz und seine Ergebnisse eine umfassendere Beurteilung von Kunstwerken in ihrem Entstehungskontext. ; Specialisation as market strategy. The dog paintings of the Munich animal painter Richard Strebel (1861 - 1940)